16/8/15

CON TUS PROPIAS MANOS

Una biblioteca de patrones para revolucionar la moda



No hace mucho hablé aquí de LENA, la Fashion Library, o "biblioteca de moda", que tiene éxito en Amsterdam, ofreciendo la posibilidad de utilizar prendas por un período de tempo, devolviéndolas o cambiándolas por otras. Nuevas ideas vienen apareciendo en todo el mundo, con el claro objetivo de trasformar la manera en la que vemos la moda. Después de décadas de Fast Fashion y de una vorágine consumista de la que nos hemos despertado con la tragedia del Rana Plaza, las cosas están cambiando. 
Como siempre digo, la información es una arma poderosa. Una vez adquirido el conocimiento o conocida la situación, ya no hay vuelta atrás, ya no podemos escondernos detrás de una supuesta inocencia por desconocimiento. Todo lo que hemos descubierto sobre la industria textil en los últimos años y todo el trabajo que hacen plataformas como Slow Fashion Next, antes Slow Fashion Spain, han plantado una semilla que ya ha empezado a dar sus frutos.




No es por acaso que nuevas opciones de consumo, más conscientes y menos agresivas, como la biblioteca de moda, aparecen a cada día en todo el mundo.
En Sao Paulo, Brasil, acaban de lanzar un proyecto que va todavía un poco más allá: una biblioteca de patrones. Llamado "Ateliê Vivo"  el proyecto ofrece una biblioteca pública y un espacio para la construcción de prendas de vestir, que permite que cualquier persona con algún conocimiento de costura tenga la posibilidad de producir su propia ropa a partir de patrones donados por diseñadores. Solo tienes que traer tu género y las ganas de hacer tu mismo tu ropa. Simplemente genial.
Aprovechando la ola del DIY, o "hágalo usted mismo", así como el creciente interés en desarrollar actividades manuales y creativas por una gran parte de la población, el proyecto ofrece la posibilidad de retomar la autonomía en la construcción de la ropa y en el proceso de producción de la moda. Su propuesta es trabajar la memoria de la indumentaria, la materialidad y el hacer manual, actuando de forma activa en el ciclo de la moda y creando un dialogo con su entorno, el barrio de Bom Retiro, en Sao Paulo, un barrio multicultural y uno de los más conocidos por su variado comercio y para la compra de prendas listas para vestir a precios muy económicos.



"No es por acaso que nuevas opciones de consumo,
más conscientes y menos agresivas,
aparecen cada día en todo el mundo"



Detrás de la coordinación del proyecto están cuatro mujeres, Gabi Cherubini, Dani Yukari, Thatiana Yumi Kurita y Karlla Girotto que es diseñadora de moda y ha donado gran parte de su acervo de patrones para el "Ateliê Vivo". En el futuro se espera la participación de otros diseñadores, que también donaran algunos de sus patrones para el proyecto, diversificando y enriqueciendo el acervo.
Karlla viene desarrollando ese trabajo desde hace algún tiempo, buscando nuevas maneras de ver y vivir la moda. Después de desfilar en las semanas de moda y hacer parte de la industria y del "sistema", la diseñadora se ha dado cuenta que la moda que estaba creando no era la que quería ella, sino la que quería el mercado.


Decidida a no dejarse esclavizar, ha buscado nuevas maneras de interactuar con la moda, de un modo mucho más libre, creativo y artístico. Se ha unido a otros creativos, desgastados, como ella, con la industria y el sistema de la moda y han creado el G>E, es decir, Grupo maior que Eu (Grupo mayor que Yo, en castellano).
Encuentros, talleres, muestras y ahora el proyecto "Ateliê Vivo" son algunas de las maravillosas iniciativas que han salido de esas cabezas que no se han conformado con lo que veían y están tratando de crear una nueva manera de ver y hacer las cosas. 
Como he dicho antes, la (in)formación es una arma poderosa y la voluntad humana una fuerza imparable. Proyectos como ese son un gran ejemplo y traen un soplo de aire fresco a la moda, brindándonos la oportunidad de hacer las cosas de otra manera. No es imposible cambiar las cosas. Cuando se quiere, se puede.




Contra la impotencia individual

La biblioteca de patrones es una iniciativa del G>E. El Grupo Mayor que Yo (G>E) es un programa de experiencias transdisciplinares que se preocupa en como organizamos los recursos, las practicas, los espacios, la producción material y la vida que compartimos, tratando de desarrollar nuevas ideas sobre como hacer y como mantener vivo el potencial creativo.
Su propuesta es investigar nuevas posibilidades de existencia ante la avasalladora complexidad del mundo actual, potenciando el deseo de construcción de nuevos mundos y nuevas cosas, trabajando en grupo contra la impotencia individual y creando un espacio común para la imaginación creativa y política.


*
Todas las fotos Camila Picolo via Facebook.
Articulo publicado en el periódico El Día el 26/07/15.
Lo puedes leer online aquí.

7/8/15

Desfile de moda

Mas que un show, una poderosa herramienta de ventas


Hoy os invito a rascar la superficie y a mirar por debajo de todo el glamour que destilan las semanas de moda y los desfiles de marcas y diseñadores, ya sean grandes o pequeños. Aunque muchas veces nos ofusquen las celebrities, los focos y los flashes, un desfile se hace para vender. Ese es el objetivo final de una marca que ofrece sus productos: venderlos. No importa si hablamos de ropa o de papas. Si no vendes lo que produces, no puedes mantener un negocio sano y rentable. 
Un desfile es una herramienta más del esfuerzo de ventas para llegar al público, a los medios de comunicación y, lo más importante, a los compradores. Un desfile de moda donde no hay compradores y no se generan negocios, en realidad sirve para que los invitados pasen un rato divertido, para inflar el ego del diseñador y poco más. Un desfile puede ser un evento social pero ese no debería ser su objetivo. Su éxito está asegurado cuando se genera publicidad en la pasarela, relaciones publicas en el kiss room y negocios en el showroom


"Si no vendes lo que produces,
no puedes mantener un negocio sano y rentable"


Aunque existan muchas otras maneras de presentar una colección, un desfile es la manera más efectiva de enseñar el corte y la caída de las prendas en cuerpos humanos. Las modelos de pasarela son altas y flacas porque están pensadas para actuar como "perchas", aunque esa es una larga discusión. De cualquier manera, es mucho mejor ver las prendas vestidas y en movimiento que en fotografías o colgadas de una percha, de las de verdad.
Los primeros desfiles (véase el cuadro en destaque) se hacían en las mismas tiendas y tenían como invitadas a un selecto grupo de clientas que compraban directamente al diseñador, es decir, estaban pensados para el consumidor final.



Con la llegada del prêt-à-porter, un nuevo personaje aparece en escena y los desfiles pasan a tener como objetivo los compradores de las tiendas, es decir, los responsables por tener las prendas disponibles en sus tiendas y grandes superficies para que el consumidor final las compre allí.  
Con el crecimiento de la industria textil, los diseñadores se han unido para abaratar los costes y aprovechar las infraestructuras de los desfiles, lo que dio inicio a las semanas de moda y eventos similares. Para romper la monotonía y la uniformidad de esos eventos, los desfiles han ido poco a poco trasformándose en verdaderos shows. Cada diseñador buscaba sorprender más que los demás y superarse a cada temporada.
Los desfiles, antes un simple pase de modelos para enseñar las prendas, pasan a ser súper eventos con performances y propuestas cada vez más innovadoras y grandiosas. Y no hay nada malo en ello desde que no se olvide lo principal: los desfiles se hacen para vender y una gran fiesta con famosos en el front row no siempre es suficiente para ello.
Cuando un diseñador es capaz de cubrir los gastos de un desfile solo, su capacidad de control es mucho mayor. Puede dejar volar su creatividad y aún así mantener la infraestructura necesaria para seleccionar bien su lista de invitados y tener su colección esperando en el showroom para los compradores. Pero cuando hablamos de un evento con varios diseñadores, la cosa se complica.



Para alguien que quiere sacar adelante su negocio, lo importante es que los responsables de compras de importantes tiendas y grandes almacenes, así como los directores de revistas, periodistas especializados y formadores de opinión estén ahí, en el front row. Después del desfile, la colección debe estar disponible en el showroom, donde se podrán tocar los materiales, observar los detalles, discutir precios y formas de pago.
Una semana o evento de moda que no tiene detrás esa infraestructura, no sirve para mucho más que llenar las redes sociales de comentarios frívolos que se olvidarán rápidamente y, como he dicho antes, inflar el ego de los diseñadores durante un corto período de tiempo. Para ser efectivo un evento de moda tiene que ser algo que perdure en el tiempo, genere expectativa y, sobretodo, negocios. Es una labor a ser preparada a lo largo de todo el año para presentar, a cada temporada, trabajos de alto nivel para los medios, que sean golosos para los compradores y deseables para el consumidor final. Todo parece fácil desde el front row pero también hay muchísimo trabajo después que se apagan los focos de las pasarelas.


El pionero en los desfiles

El pionero en presentar sus creaciones en modelos fue Charles Frederick Worth. Visionario y hombre adelantado a su tiempo, como lo fue después de él Mademoiselle Chanel, es conocido como el padre de la alta costura.
Worth también fue el pionero en poner etiquetas con su nombre en su ropa y a luchar por los derechos de autor de sus vestidos. 
Como hombre con una envidiable visión para los negocios, Worth se dio cuenta que si sus clientes vieran los modelos que creaba en mujeres de verdad, podría vender muchos más vestidos que enseñándolos en dibujos. A cada nueva colección, seleccionaba las modelos, preparaba prototipos,  y invitaba sus mejores clientas a su tienda. 
Cada modelo paseaba delante de las clientas llevando un numero que correspondía al modelo que llevaba. Las clientas apuntaban los números que les habían interesado para que el modisto los hiciera posteriormente a su medida. Como vemos, el desfile fue desde el principio, una herramienta de vendas.


Publicado en el periódico EL Día el 12-07-2015

28/7/15

¿Qué es el lujo? Pensamientos y reflexiones


En mi reciente viaje a Londres para visitar la exposición del diseñador Alexander McQueen, de la que he hablado aquí, he tenido la oportunidad de visitar otras exposiciones muy interesantes y una de ellas me ha llamado especialmente la atención.



What is Luxury? (¿Qué es el lujo?) es la tercera exposición que el museo presenta en colaboración con el Crafts Council - el Consejo de Artesanía, y hace una reflexión sobre el concepto, el desafío y la idea personal de lo que puede ser considerado como "lujo" en la sociedad moderna.
La cuestión me llama mucho la atención. Asistí, hace algún tiempo, una charla muy interesante del señor Enrique Loewe sobre el tema y yo misma también ya he hablado en alguna ocasión de ello. Después de 48 años al frente de la casa de lujo española por antonomasia, me era imprescindible escuchar lo que el señor Loewe tenía que decir sobre el tema. Estoy totalmente de acuerdo con él cuando dice que el concepto de lujo está cambiando. Según sus palabras "el lujo ya no es lo dorado, lo pesado, lo evidente. Es algo más sutil, más experiencial, relativo a la cultura, al ennoblecimiento de la sociedad y del ser humano".


El crecimiento de las llamadas marcas de lujo, en contrapunto a una desigualdad social agravada por la crisis económica global, ha levantado, en los últimos años, una serie de nuevos cuestionamientos sobre el significado del lujo en todas sus formas, tanto en objetos tangibles como intangibles, como, por ejemplo, el tiempo.
Presentando objetos fuera del común, creados por diseñadores, artesanos y artistas de distintas áreas, la exposición explora como la visión del lujo es moldeada por las preocupaciones sociales y los sueños personales, desafiando las nociones preconcebidas de valor y, al mismo tiempo, ofreciendo una oportunidad para que reflexionemos sobre el futuro del lujo en el siglo XXI.


"El lujo ya no es lo dorado, lo pesado, lo evidente.
Es algo más sutil, más experiencial, relativo a la cultura,
al ennoblecimiento de la sociedad y del ser humano"
Enrique Loewe



Mirando a los exquisitos objetos expuestos, uno se da cuenta de que el lujo está estrechamente relacionado con el tiempo. No solamente con el tiempo que se debe dedicar para crear cada una de esas esas maravillosas piezas, sino que, también, el tiempo dedicado por cada diseñador, artesano o artista para llegar a la más alta perfección en su área de trabajo. El minucioso proceso de producción y el tiempo dedicado a la formación y a la práctica de los artistas que están detrás de cada pieza expuesta, dejan, sin duda, su huela grabada en el aura de esos objetos singulares.


Con la rapidez de la vida actual y con la cantidad de información que recibimos a diario, el tiempo es un bien cada vez más preciado. Y el deseo de tener algo que es difícil de poseer, es parte fundamental e intrínseca al concepto del lujo.
El espacio también se está trasformando en un lujo en la sociedad moderna. No hablo simplemente del espacio físico, que ya empieza a escasear en las grandes urbes, sino que también del espacio privado, personal. En un mundo de selfies y en el que nuestra vida personal está abierta a la red y expuesta a los demás como nunca ha estado antes, en una sociedad tan ocupada e intrusiva, las personas empiezan a valorar cada vez más el tiempo y el espacio para disfrutar de momentos y experiencias extraordinarias.
El lujo es, en última instancia, una cuestión muy personal. Y, al final, habría que darse cuenta de que poder disfrutarlo no es solo una cuestión de presupuesto sino que, también, de circunstancias y preferencias individuales. Y para ti, ¿qué es el lujo?


Algunas piezas de lujo


Voltage Dress
es parte de la colección de alta costura 2013 presentada por la diseñadora Iris van Herpen en París. Conocida por sus exquisitos diseños impresos en 3D, la diseñadora representa, quizás, el futuro del lujo en la moda. Sin duda una de las piezas más impresionantes de la exposición.


Hair Highway
creados por el estudio Swine, los objetos presentados especulan sobre materiales sostenibles en el futuro. Según sus creadores, a medida que la población humana crece y los recursos disminuyen, el pelo humano puede convertirse en una alternativa viable. Hechos con una combinación de pelo humano y bio-resina, los objetos evocan materiales raros y en peligro de extinción como el cuerno, el carey o las maderas tropicales. El proyecto es el resultado de la investigación sobre el comercio de pelo chino y alude a la antigua Ruta de la Seda. Un video muestra todas las etapas en el proceso de creación del material y las piezas resultantes son exquisitas. Una información interesante: el pelo humano, sobretodo el asiático, crece 16 veces más rápido que una madera como la caoba, por ejemplo.



Fragile Future
es un candelabro creado por el estudio Drift con semillas de diente de león individualmente montadas sobre luces LED. Las luces son alimentadas por un innovador circuito tridimensional de bronce que conduce la electricidad sin cableado. Esta fusión de naturaleza y tecnología trasforma la pieza en una creación poética sobre las posibilidades de unir dos caminos aparentemente opuestos, otro tema que me encanta. El peso de su centro de hormigón también hace de contrapunto a la ligereza de las semillas y de la finísima estructura de bronce. Una pieza espectacular con un primoroso proceso de creación que puedes ver aquí.

27/6/15

Fragile Future



Fragile Future,
es un candelabro creado por el estudio Drift con semillas de diente de león
 individualmente montadas sobre luces LED.
Las luces son alimentadas por un innovador circuito tridimensional de bronce
 que conduce la electricidad sin cableado.
Esta fusión de naturaleza y tecnología trasforma la pieza en una creación poética 
sobre las posibilidades de unir dos caminos aparentemente opuestos, un tema que me encanta.
El peso de su centro de hormigón también hace de contrapunto a la ligereza de las semillas 
y de la finísima estructura de bronce. 
Una pieza espectacular con un primoroso proceso de creación

26/6/15

Belleza Salvaje - Visitando la exposición de Alexander McQueen en Londres


Irere, spring/summer 2003 - “Oyster” Dress  - Ivory silk organza, georgette, and chiffon
En éxtasis. Así abandoné el maravilloso museo Victoria & Albert de la capital londinense después de visitar la aclamada exposición del diseñador Alexander McQueen. 
Una de las 10 exposiciones más visitadas de todos los tiempos en el museo Metropolitan de Nueva York, Savage Beauty - Belleza Salvaje - abrió sus puertas al público en Londres el 14 de marzo y estará en la ciudad hasta el 2 de agosto. Traer Savage Beauty a Londres, ciudad natal del diseñador, y presentarla en el Victoria & Albert, fue una consecuencia natural del éxito de la exposición en Nueva York. Visitado en muchísimas ocasiones por McQueen cuando todavía era un joven estudiante de diseño de moda, el museo tiene una relación emocional con el diseñador que se puede palpar en el ambiente. 


No hay sitio más adecuado para exponer sus piezas y presentar su grandioso trabajo.
Exhibiendo desde su primera colección, presentada en 1992, hasta su ultimo, y no terminado, trabajo para el otoño/invierno 2010, la exposición nos permite adentrar el asombroso universo creativo de ese niño londinense con raíces escocesas, que, vista su obra, quedan muy claras y no solo en su apellido.
Sus creaciones son hipnóticas y viscerales. Maestro en la sastrería y en el patronaje, construye y deconstruye sus piezas con la precisión de un "Eduardo Manostijeras". 


Tienes que conocer las reglas para romperlas.   
Para eso estoy aquí, para demoler las reglas,   
pero manteniendo la tradición. "


Es un privilegio poder ver de cerca esas piezas maravillosas creadas con un genio y una perfección casi místicas. Como si no fuera suficiente la visión fascinante de sus piezas, los diseños de McQueen son presentados de manera dramática, en un espectacular escenario, digno de sus más teatrales y arrebatadores desfiles. La exposición no está organizada cronológicamente, que es lo más usual en el caso de la presentación del trabajo de un único artista. 
Fiel al espíritu libre del diseñador, el curador, Andrew Bolton, decidió dividirla por temas que tienen como hilo conductor el romanticismo. Sí. El niño rebelde, al que muchas veces han llamado subversivo, el que ponía sus modelos en posturas comprometedoras, y las encerraba en jaulas de cristal, era un romántico. En cuanto paseas por esos salones llenos de magia y piezas que son puro arte, te das cuenta de ese embrujo romántico presente su trabajo, incluidas las piezas más transgresoras.


Su belleza era sin duda salvaje. Jamás buscó la inocencia de una mujer soñadora, tierna o pueril. Su romanticismo era otro, mucho más profundo y cautivador. Se adentraba en los recónditos más oscuros del alma humana y, ahí, encontraba la belleza. Donde nadie la había visto. Donde nadie jamás había pensado buscarla. McQueen ha llegado hasta esos rincones oscuros con sus ojos románticos y ha creado un imaginario propio, una belleza más allá de lo natural y una manera única de expresarla poéticamente de forma sobrecogedora.


Sus mujeres eran fuertes. Una vez dijo que vestía a las mujeres para que dieran miedo. Mirando su trayectoria, uno se da cuenta de que su objetivo siempre fue el de dar poder a las mujeres. Ha creado ropas y accesorios para diosas etéreas que al mismo tiempo eran muy reales y mundanas. Las paradojas, las contradicciones, los miedos más profundos, se ven reflejados en sus obras. Toda su vida, sus raíces y sus deseos están impregnados en cada una de sus creaciones. La belleza en su forma más salvaje. Puro genio. Pura magia.

Voss, Spring/Summer 2001
Razor-clam shells stripped and varnished

· Tenía una relación casi chamánica con los materiales que utilizaba. Como un alquimista, le gustaba trabajar y trasformar la materia. El cuero, la crin de caballo, las plumas, los metales, las flores, las conchas o la madera, en sus manos, se trasformaban en vestidos y piezas de aspecto sobrenatural.

It's only a game, Spring/Summer 2005 - 
Bodysuit and obi-style sash of lilac silk satin and chiffon embroidered with silk thread;
shoulder pads and helmet of fiberglass painted with acrylics 

· Se inspiró en otras culturas, abominando la visión folclórica que muchas veces tenemos los occidentales de las costumbres que nos son extrañas. Sus piezas de inspiración japonesa, africana o amazónica son de una rabiosa modernidad y se mezclan a la perfección en el cautivador universo del diseñador.

Jack the Ripper Stalks His Victims (MA Graduation Collection), 1992
Pink silk satin printed in thorn pattern lined in white silk with encapsulated human hair

· Tamaña era la entrega de McQueen a todo lo que hacía, que las piezas de su primera colección, comprada en su totalidad por su amiga y mentora Isabela Blow, tenían cosidas, cada una, un mechón del pelo del diseñador. Fetichismo, brujería o romanticismo, o quizás un poco de los tres, dependiendo de como se mire.

The Overlook, autumn/winter 1999–2000
Aluminum - 
Shaun Leane for Alexander McQueen - “Coiled” Corset 

· McQueen sabía exactamente lo que quería. Se cercó de algunos de sus compañeros de la escuela londinense Central Saint Martins, donde estudió, para que crearan junto a él y para él, los accesorios para sus conmovedoras puestas en escena.El sombrerero Philip Treacy y el diseñador de joyas Shaun Leane, fueron sus colaboradores más activos. En la exposición, una sala llamada "Gabinete de Curiosidades" muestra las más impresionantes piezas de los creadores. Puedes ver algunas de las piezas expuestas en el gabinete aquí.



· El proceso creativo de McQueen era único. Todos los que han trabajado con él dicen lo mismo. Como ejemplo, Sam Gainsbury, que fue la encargada de producción de casi todos sus desfiles, dice que el diseñador jamás empezaba a trabajar en una colección hasta que no hubiera desarrollado un concepto claro del desfile. Para él la pasarela no era una manera de presentar una colección ya creada, era el catalizador de su proceso creativo.

No. 13, spring/summer 1999
White cotton muslin spray-painted black and yellow with underskirt of white synthetic tulle




Todas las fotos via metmuseum.org
Artículo publicado en el periódico El Día en 20/07/15









16/6/15

Fashion Library


Aplicar el concepto de las bibliotecas a la moda no es novedad.
En el 2012, las alemanas Thekla Wilkening y Pola Fendel, han abierto Kleiderei - que se podría traducir como "Roperia" - en la ciudad alemana de Hamburgo. Muy en la línea de la sostenibilidad y del slowfashion, la idea es comprar menos y utilizar mejor y durante más tiempo la ropa que ya está fabricada, intentando cambiar la mentalidad del consumidor y, sobre todo, la manera como nos relacionamos con ella.
Situada entre cafeterías molonas, restaurantes de comida orgánica y un supermercado "Delicious Food", de esos que trabaja en concepto "sin embalaje", LENA puede llegar a parecer simplemente más una moderna tienda multimarcas. Pero no lo es.
Abierta a finales de 2014, por Angela Jansen, Diana Jansen, Elisa Jansen y Suzanne Smulders, LENA – the fashion library funciona como una biblioteca tradicional, mas en vez de libros, tiene prendas.
Con predilección por marcas nórdicas, las propietarias valoran la producción ética y los materiales orgánicos a la hora de escoger las piezas para LENA, ya sean de diseñadores conocidos o nuevos talentos. Así que, más que grandes marcas como Chanel o Dior, en LENA encontramos  eco-labels europeas como Wintervacht  y, muy importante, nada de Fast Fashion.



"La moda debería ser divertida

para todos los involucrados"




Algunos se preguntarán en que difiere el servicio ofertado por la Fashion Library del bueno y viejo alquiler de prendas. Y aquí la gran diferencia es el concepto. 
La idea de la Fashion Library no es que la utilización de sus prendas sea algo puntual, que es lo que suele ocurrir con el alquiler. Aquí el objetivo es que eso se haga de manera natural y continua, cambiando nuestra manera de relacionarnos con las prendas en nuestro día a día. Vestirse bien, pero no a costa de las personas y del medio ambiente. Poder escoger entre muchas opciones de estilo y corte, sin llenar nuestro armario con piezas que utilizaremos poco o con prendas de moda rápida. Disfrutar la sensación de tener algo nuevo sin tener que poseerlo. Esa es la nueva moda de acuerdo con la visión de LENA.
Para utilizar el servicio, es necesario hacerse socio, como en una biblioteca de toda la vida. La suscripción mensual puede variar entre 19,95€, 34,95€ y 49,95€, que equivalen a 100, 200 y 300 puntos respectivamente. Cada pieza recibe una puntuación de acuerdo con su exclusividad, calidad y estilo y el préstamo de las prendas se hace de acuerdo con esos puntos.
También existe la posibilidad de comprar y de hacer SWAP, o intercambio, de prendas. El sistema de Fashion Library te da la oportunidad de probar por un tiempo una prenda y, si de verdad la quieres poseer, puedes comprarla sabiendo que no quedará en el fondo del armario sin uso. Con el SWAP también tienes la oportunidad de cambiar prendas sin gastar nada, simplemente llevando algo que les interese tener el su acervo, cambiando por alguna otra prenda con el mismo valor en puntos. 
Como en la actualidad viajamos cada vez más, las propietarias han acertado en la opción de tener colecciones de invierno y verano al mismo tiempo. De hecho es otra de las grandes ventajas de la Fashion Library: la posibilidad de acceder, sin tener que comprar, a prendas de invierno en pleno verano y viceversa. Una opción muy llamativa para los que cruzan con frecuencia la línea del ecuador.
La iniciativa es un fantástico ejemplo de la gran variedad de ideas que se pueden desarrollar cuando hablamos de una moda más sostenible y de proyectos innovadores, en los que el cliente también colabora y es parte del proceso evolutivo de la marca.
¡Bravo!



El nuevo consumo
Está claro que el consumismo corre en nuestra venas.
Fuimos enseñados así desde niños. El impulso de tener en nuestro armario las ultimas novedades nos llega por los cinco sentidos. Pero, ¿y si fuéramos capaces de disfrutar de las novedades sin tener que consumir ni comprar nada nuevo? Si pudiéramos renovar  nuestro armario sin contribuir con el alto costo social y medioambiental del Fast Fashion? La ropa vintage, la ropa de segunda mano, las "Swap Parties" - o fiestas de intercambio, la customización, el préstamo o el alquiler de prendas son algunas opciones cada vez más buscadas, por personas preocupadas en encontrar una nueva manera, mucho más razonable, de consumir.
Piensa en ello.


Articulo publicado el 06 de junio 2015 aquí.

26/5/15

Nuevos materiales para una nueva moda

Diseño de SmithMatthias utilizando Piñatex natural


" - Me encanta tu bolso.    
¿Es de piel?    

- No, es de Piña!"    



La búsqueda por materiales reciclados y naturales en los últimos años, empujó los diseñadores a la creación de piezas más sostenibles y con mayor respeto por el medio ambiente y el entorno. Con ello, también los materiales con los que fabricar esas piezas están pasando por una gran transformación. La utilización de materiales naturales e inusitados que, de otra manera, serian descartados, es cada vez más común en la industria textil. 

Promocionado sobre todo como una alternativa a la utilización de la piel animal, 
uno de los más sorprendentes se llama Piñatex, producido a partir de las hojas de piña. Las fibras flexibles y finas se extraen de la hoja a través de un proceso llamado decorticación, que se realiza en la plantación de la comunidad agrícola. Las fibras luego se someten a un proceso industrial para convertirse en un textil "no tejido", es decir, creado sin la utilización de la técnica de entretejer hilos de urdimbre y trama, 
que es la base del Piñatex.
Pasado ese proceso, las fibras son sorprendentemente suaves al tacto y transpirables. 
Según sus fabricantes, tiene un rendimiento excepcional ya que es ligero, flexible y fácilmente teñido, 
lo que le hace una alternativa perfecta al cuero y a los tejidos para su utilización en la moda, los accesorios y en la decoración, dependiendo de su espesor.
Mientras que el trabajo de desarrollo inicial se originó en las Filipinas, ahora se están llevando a cabo investigaciones significativas entre el Reino Unido y España, 
sobre todo para mejorar la tecnología de acabado del producto. 

El producto final tiene el toque del fieltro y es adecuado a un amplia gama de acabados: 
encerado, se parece al cuero; con aplicación de relieve, se parece a la piel de serpiente y con acabado metálico, adquiere un toque de glamour. Ese revestimiento para el acabado final, que es resistente al agua, todavía contiene una pequeña cantidad de productos petroquímicos. 
Carmen Hijosa, el nombre detrás de la empresa Ananas Anam, que creó y tiene la patente del proceso y del producto final Piñatex, sigue trabajando para desarrollar  un recubrimiento que también sea biodegradable.
Aunque ese "cuero vegetal" no sea todavía 100% perfecto, es extremadamente sostenible ya que, como es un subproducto de la cosecha de la piña, no requiere agua, fertilizantes o pesticidas adicionales para su producción. El subproducto del proceso de decorticación es la llamada bio-masa, que se puede convertir, además, en abono orgánico o bio-gas. Esto puede traer ingresos adicionales a las comunidades agrícolas de piña y representa la utilización rentable y sostenible de algo que antes se tiraba a la basura.
Simplemente genial.


Materiales naturales y sorprendentes


·  La diseñadora brasileña Silvia Blumberg presentó en Milán sus joyas con materiales descartados, es decir: polvo de madera proveniente de la industria de muebles y plata de las chapas de rayos X. En Milán la diseñadora presentó parte de la colección "Cantero de joyas", en la imagen.
Materiales "descartados" en el trabajo de Silvia Blumberg

 ·  Otra diseñadora brasileña, Angela Carvalho, presentó una luminaria llamada Erizo, creada a partir de "cabazas" - una especie de calabaza del gênero Lagenaria - un fruto muy característico y estéticamente muy interesante, encontrado en varios países, que, seco, es todavía utilizado por las poblaciones rurales como cuencos o recipientes para agua.
La luminaria "Erizo" presentada en Milán, que utiliza una especie de calabaza, de la diseñadora Angela Carvalho.

  ·  Micro"be" es un proyecto de una Universidad Australiana - UWA, que investiga, a través de la microbiología, nuevas maneras de desarrollar tecnologías textiles para el futuro. La idea es cambiar las maquinas por microbios que fermentan el vino o la cerveza. El resultado es una celulosa con aspecto de algodón, un material orgánico y biodegradable producido por microorganismos, que se trasforman en prendas de vestir.
Vestirnos de vino, o cerveza, es el objetivo del proyecto MicroBe, de la UWA.

 ·  El plátano, fruta tan familiar a nuestra isla, es utilizado para la fabricación de un tejido que ya está en el mercado, comercializado por una compañía textil de Reino Unido, especializada en tejidos eco. 
Otros frutos de la platanera...


Artículo publicado el 23/05/15 aquí.

16/5/15

El premio Dorothy Waxman 2015 y su ganador



El Premio de Diseño Textil, creado por Li Edelkoort y Philip Fimmano, honra a Dorothy Waxman,
la fuerza impulsora detrás de la empresa de Edelkoort en los Estados Unidos
y su colaboradora habitual. 
La curiosidad insaciable de Waxman y su magnifico ojo para las tendencias más innovadoras
ha inspirado el equipo de Edelkoort durante décadas.
Responsable por apoyar y promover colaboraciones entre la industria norteamericana y la europea
y ávida aficionada de los textiles, Waxman cree que los tejidos creativos pueden cambiar
el panorama del diseño de manera profunda.

Dorothy Waxman - photo by Marie Taillefer
Fue la responsable por escoger el ganador de esta primera edición de los premios que llevan su nombre.

El ganador: 

PIERO D’ANGELO (Italy)
Central Saint Martins, London
Hybrid, 2014
technique: I weaved my samples mostly with polyester threads combining fleshy colours with others bold and industrial, recycling plastic threads, wire, ropes and incorporating cables found in the computer.


El estudiante italiano Piero d'Angelo, de la escuela londinense Central Saint Martins,
fue el ganador del premio, divulgado el pasado 13 de mayo.
Su trabajo "Híbrido" llamó la atención de Waxman, por la intención de representar
un cruce entre lo humano y la maquina.


Para ello el diseñador ha utilizado el trabajo tradicional de telar empleando materiales inesperados
como hilos de plástico reciclado, alambres, cuerdas y cables de ordenador.


Otros trabajos finalistas:


AINE BYRNE (Ireland) Royal College of Art, London
Work in Progress, 2015
technique: screen-printed wovens & jacquards in wool, silk, polypropylene & plastic, 




KATHERINE MAVRIDIS (Australia)
Parsons, The New School for Design, New York
Mokuba, 2014
technique: fully fashioned rope garments



TATIANA ELKIND (Israel)
Shenkar College of Engineering and Design, Tel Aviv
Skeletons In My Closet, 2013
technique: partial knitting on a manual knitting machine in cotton with wax hardening in sections


 ZOE CLARK (United States)
Rhode Island School of Design, Providence
Madness Woven, 2014
technique: woven wool, mohair & rayon


CLAIRE BLABY (Australia)
RMIT University, Melbourne
Convergence, 2015
technique: machine knit, hand felted in merino wool with nylon, cotton & metallic yarns



JACQUELINE LEFFERTS (United States)
Royal College of Arts, London
Mannequin Loom, 2014
My project challenges the status of makers. It is also meant to challenge designers’ acceptance of tools without questioning the tool’s efficiency or modern relevance. Why is fashion subservient to weave? Why do fashion designers always take the fabric from weavers and cut into it? Why is design separate within itself? Why can’t garments be woven the same way they can be knitted?



CAROLINE ANGIULO (Great Britain)
Central Saint Martins, London
Mind Wandering Bloom, 2014–15
techniques: dyed, crocheted, braided, twisted, knotted, gathered, wrapped & attached compositions in cotton, wool, acrylic, Lycra, foam, rubber bands & silicone tubes



CHLOE COOPER (United States)
Rhode Island School of Design, Providence
Future Skins, 2014–15 (detail)
technique: monofilament machine knit, dipped in acid dye & rubber coating